Gitana con pandereta

Jean Baptiste - Camille Corot
Gitana con pandereta
1862
Óleo sobre lienzo
59 x 38 cm.


Paisaje de L'Ile de France

Pierre – Auguste Renoir
Paisaje de L'Ile de France
1883
Óleo sobre lienzo
54 x 65 cm.


El disco rojo persiguiendo a la alondra

Joan Miró
El disco rojo persiguiendo a la alondra
1953
Óleo sobre lienzo
129 x 96 cm.


El disco rojo persiguiendo a la alondra

Pablo Picasso
Hombre sentado con pipa
1969
Óleo sobre lienzo
160 x 130 cm.


Singe (Salvage Series)

Robert Rauschenberg
Singe (Salvage Series)
1984
Acrílico sobre lino
213 x 86 cm.


Monalisa

Fernando Botero
Monalisa
1977
Óleo sobre lienzo
183 x 166 cm


Una familia

Fernando Botero
Una familia
1989
Óleo sobre lienzo
241 x 195 cm.


La más bella

Max Ernst
La más bella
1967 - 1997
Bronce 3/7
183 x 33 x 40 cm.

Área de estudio:
Música

I. INTRODUCCIÓN

En una obra de arte vibra la vida; una pintura o una escultura es como una canción que nos musita al oído los temas más bellos y variados. Como una composición que tiene ritmo y movimiento, y combina formas, tonos y colores diferentes de maneras dulces y armoniosas, con un orden propio. Como una melodía para nuestro regocijo. Pero lo más maravilloso que nos ofrece es que despierta en nosotros sentimientos conmovedores, recuerdos, amores, tristezas, anhelos y esperanzas. A veces nos hace reír y a veces llorar. Las artes son una gran compañía, traen alegría y paz. Además, nuestra alma de artista puede florecer en cualquier momento colmada de colores y sonidos cálidos, suaves, claros, vibrantes… de armonía y poesía, de danzas, de historias, de felicidad, para expresar nuestro más genuino sentir a la gente que amamos y a quienes nos acompañan. Con la música que hacemos los pueblos del mundo, vamos tejiendo nuestra identidad cultural.

La Maleta llega al colegio como una cajita de música que nos invita a descubrir una sinfonía por explorar; trae consigo un conjunto armónico de hermosas obras como si fueran voces e instrumentos vestidos de fiesta para llevarnos a un gran viaje: el de la contemplación, los sueños, la convivencia y la recreación musical.

• El proceso de aprendizaje en la música

El aprendizaje de la música invita a los estudiantes a desarrollar proyectos en los que recrean, comparten, comprenden y disfrutan cada vez más el prodigioso mundo sonoro y de la música, al explorar sensitivamente materiales sonoros (incluida su voz), para sorprenderse con su propia imaginación e inventiva musical y fortalecer la integridad y armonía de su ser espiritual, intelectual, social y cultural.

Los estudiantes de música aprenden un lenguaje sonoro y expresivo que se ha venido descubriendo y enriqueciendo a lo largo de la historia, para darle forma y significado a la música, según las distintas tradiciones. Son elementos constitutivos del lenguaje musical: el silencio, el sonido y sus cualidades; el ritmo o elementos temporales recurrentes que pautan un orden musical; la melodía o grupos de frases sonoras o de palabras agradables al oído; la armonía que encadena sonidos acordes; la notación musical y la representación gráfica no convencional que muestran, de distintas maneras, patrones de orden sonoro.

Para los niños y jóvenes es muy enriquecedor descubrir que en una muestra de arte pueden asociar el lenguaje musical con el visual; que la pueden disfrutar mientras distinguen, aprecian y se apropian de valores musicales locales y universales, traduciendo las inquietudes más genuinas que les susciten las obras pictóricas o escultóricas en canciones, composiciones, arreglos instrumentales o danzas; que una exposición de obras de arte también contribuye a su preparación para hacer el oficio de creadores.

La visita de los estudiantes a una muestra de arte es una oportunidad para que el maestro de música desempeñe un trabajo sensitivo y lúdico con ellos; para que, además, recurra a las canciones y así mientras gozan el ritmo poético y el significado de la narración, incorporen de manera natural situaciones de la vida cotidiana mediante el lenguaje musical y aprecien a la vez la obra de arte visual. “La voz es el sonido que identifica al ser humano”1 . A partir de analogías entre el lenguaje de las obras de arte visual y elementos del lenguaje musical, motivamos la imaginación creadora de los estudiantes e inventamos actividades atractivas para ellos, afinando tanto su perceptividad musical como hacia las artes visuales, adquiriendo sentido de pertenencia cultural. Por ejemplo, algunas de las obras las podemos relacionar con melodías instrumentales, otras las identificamos con géneros musicales y otras nos invitan a imaginar historias, nos motivan a componer. Podríamos hacer una canción cuya historia conecte los cuadros de diferentes épocas entre sí, reconociendo detalles, en forma de suite, es decir un combinado de danzas o ritmos diferentes.

La visita se enriquece con el aprendizaje de algún instrumento de cuerda, viento, percusión o electrónico, así como con audiciones comentadas de música “clásica’’, folclórica y popular local e internacional, y de música en el cine y video- música, asociadas a las pinturas o esculturas que se aprecian. Así, el aprendizaje del arte estaría íntimamente ligado a su formación integral; sería más cercano y significativo.

La música es para amarla, jugar con ella, tocarla, fortalecer lazos afectivos y, siendo su fin primordial el goce mismo, ésta contribuye significativamente al crecimiento y a la maduración afectiva, social e intelectual de niños y niñas.6

• Como estudiantes de música, ¿qué podemos aprender de las obras que trae a la escuela la Maleta Didáctica del Museo Botero?

Sirve para hacer proyectos de educación musical innovadores e interesantes3. Veamos unos ejemplos:

- Gitana con pandereta de Jean-Baptiste-Camille Corot. Esta gitana altiva es un buen símbolo del período romántico europeo en el que vivió Corot. Representa una época de liberaciones políticas nacionalistas, de valoración del individuo y de su experiencia subjetiva como tal, sin importar su origen social o étnico. Entonces, cada compositor quería lograr un lenguaje personal que lo identificara en sinfonías y conciertos, como por ejemplo el compositor y director de orquesta francés Héctor Berlioz, contemporáneo de Corot. Berlioz le dio un carácter particular a la orquesta sinfónica con obras para ser interpretadas por más de 150 ejecutantes, dándole un lugar particular e independiente a cada instrumento, como en su obra Benvenuto Cellini que estrenó en 1838, impactando al público parisino cuando Corot, quien muy posiblemente lo escuchó, tenía 41 años de edad. Una audición comentada del sentimiento y la organización de esta pieza musical, observando los valores socio-culturales del momento, sería un ejercicio muy interesante para realizar con los jóvenes estudiantes.

También en el espíritu del siglo XIX, en Bogotá, se compusieron dos contradanzas muy escuchadas para celebrar los triunfos de nuestra independencia: La vencedora y La libertadora4 , dedicadas a Bolívar cuando regresó victorioso de la Batalla de Boyacá en 1819. A los niños les gusta bailar esta contradanza aprenden pasos, venias y figuras, pueden además cantarla a una o dos voces, con flautas y punteo de guitarra, y también investigar sobre su ritmo.

- En el mismo año en que Jean Baptiste-Camille Corot muere, nace el compositor francés Mauricio Ravel (1875 – 1937). Ravel hace innovaciones musicales como la incorporación de notas de jazz y blues. Se podría hacer un trabajo rítmico muy interesante con los estudiantes, acompañando con pandereta el Bolero de su autoría cuyo ritmo no varía en toda la obra. Igualmente, podría ser motivante para ellos investigar enclaves gitanos en Colombia y averiguar si aún tocan la pandereta.

- Por su parte, a los niños y a las niñas les gustaría descubrir el fuerte simbolismo del cuadro de Corot. Estarían felices de descubrir que en el XIX la pandereta, antiguo instrumento del folclor, empezó a ocupar un lugar importante en la sección de percusión de la orquesta sinfónica. Se darían cuenta de cómo con esta pintura Corot parece contarnos que los valores musicales ‘del pueblo’, estaban siendo asimilados por los grandes compositores.

- Tal vez muchos niños quisieran repiquetear la pandereta con sus dedos, darle aire con su mano y golpearla contra su cuerpo, para llevar el ritmo con este instrumento de percusión y acompañar el baile, como lo hacen los gitanos de Europa oriental, o los de Andalucía con su música flamenca de antiquísimo origen, o las tunas de España que provienen de los juglares de la Edad Media. Podrían también organizar un bambuco colombiano con trajes tradicionales (comparándolos con la usanza de la gitana) y con la pandereta criolla, que hace parte de los instrumentos autóctonos de Colombia. O improvisar villancicos colombianos, y construir una pandereta.

- Paisaje de L'Ile de France de Auguste Renoir. Ante este paisaje los estudiantes se pueden imaginar los sonidos que produce el aire tocando los pastos, los árboles, el agua, la frecuencia, altura, timbres, intensidades para que, por ejemplo, con flautas de madera cada uno haga exploraciones sonoras libres, enfatizando su expresividad, incitando su intuición musical, mientras el maestro orienta y organiza hasta lograr entre todos una composición sencilla. Sería interesante hacer el mismo ejercicio con la voz, con las palmas, buscando sonidos de percusión con otras partes del cuerpo, con los pies… O se pueden asociar sonidos y palabras con los temas del cuadro para componer una canción.

- Complementa este ejercicio escuchando el Preludio a la siesta de un fauno y Claro de luna del compositor Francés Claude Debussy (1862-1918), contemporáneo de Renoir.

- Hombre sentado con pipa de Pablo Picasso. En 1919, Picasso había diseñado el vestuario y la escenografía de la obra de ballet “El sombrero de tres picos”, de un compositor español amigo suyo: Manuel de Falla (España 1876 – 1946). Cincuenta años después, Picasso pinta a este personaje ensimismado y como preocupado, con los ojos muy abiertos, parecidos a los suyos, quizás porque está sorprendido con el descubrimiento de la música electrónica y del sintetizador. O los viajes a la luna que llevaron consigo grabaciones musicales. Con la película Yellow Submarine de los Beatles estrenada en 1969 se puede motivar un diálogo en torno a los distintos géneros musicales de los años sesenta.

- Por el tipo de trazo activo y la gama de color y la época en que se pintó, esta obra se presta para que los estudiantes hagan una ‘transcripción’ a una pieza musical de su invención, sirviéndose de objetos cuyas vibraciones produzcan timbres que se sientan como que ‘interpretan’ la obra, tales como latas, canecas (alusión al movimiento Skifle, basado en el jazz, del que surgieron los Beatles), o con instrumentos de cuerdas (la construcción de la figura en equilibrio) y de percusión (el fondo que a veces entra en la figura). El profesor podría elaborar una pieza orquestada con sus alumnos.

- El disco rojo persiguiendo a la alondra de Joan Miró. El título de esta obra lleva a imaginar una historia, una poesía convertida en música y ritmo, una canción. - Un buen complemento para apreciar esta obra puede ser una audición del Concierto de Aranjuez, del compositor español Joaquín Rodrigo (1902- 1999).

- La más bella de Max Ernst. Este artista que vivió las dos grandes guerras europeas, fue un experimentador permanente y siempre trató de expresar por muchos medios, el mundo de los sueños y de la fantasía. Se unió al grupo ‘Dada’ de origen suizo cuyos miembros se reunían en el famoso Cabaret Voltair de Zurich con otros artistas, poetas y músicos contestatarios.

- Alrededor de esta escultura los estudiantes pueden investigar la vida y obra de intérpretes y compositores también innovadores, y con espíritu rebelde, contemporáneos a Ernst como fue, por ejemplo, Karlheinz Stockahausen pionero de la música electrónica y concreta.

- Los niños y niñas más pequeñas pasarían un rato agradable y de aprendizaje si a partir de contemplar esta obra graban sonidos del medio que asocien a la expresión, posición y material del que está hecha, incluidos ruidos emitidos con sus propias voces. La tarea del maestro sería ayudarles a organizar estos ruidos y sonidos en un taller, de manera participativa. Estarían haciendo experimentos de música ‘concreta’, tan anti-música como quisieron los artistas Dadá que fueran anti-arte en sus creaciones.

- Singe de Robert Rauschenberg. Éste es un artista que se inventó lo que llamó ‘combinaciones’ artísticas con materiales no tradicionales y pintura, recreó situaciones de la vida cotidiana, con frecuencia haciendo crítica social, y logró composiciones equilibradas y de factura impecable. Muy probablemente para Rauschenberg la Rapsodia en Blue para piano y orquesta de jazz del compositor norteamericano George Gershwing (1898-1937), pionero en la combinación de música popular con música ‘clásica’, debió acompañar su infancia. Ambos trabajaron con un nuevo concepto: la cultura debe representar a todos y ser para todos. Otro personaje cuya música ha acompañado a este artista es Aaron Copland (1900-1990), el gran compositor que logró hacer una música sinfónica con el sabor de las distintas vertientes étnicas que caracterizan a los Estados Unidos.

- Después de contemplar la obra de Rauschenberg y darse cuenta de la carga de presencia urbana contemporánea que tiene, los estudiantes podrían empezar a estudiar el nacimiento del Rock en Nueva York y su relación con la estética de la música electrónica, con el video musical actual donde el cine, la fotografía y la música tratan de reunirse. Igualmente podrían investigar si en las películas colombianas existe o se usa la música original o banda sonora.

- Una familia de Fernando Botero. Esta obra del autor antioqueño se presta para que los estudiantes relacionen libremente a los personajes con experiencias vividas por ellos mismos: sus padres y hermanos, la mascota, la finca, comentarios al origen regional de su familia, de sus abuelos y sobre costumbres, clima, usanzas. La claridad y el colorido del entorno se podría asociar con bambucos y pasillos; la historia imaginada de esta familia con música de carrilera o con música guasca; la serpiente que asecha a la señora y la naranja mordida a sus pies, aludiendo al pecado original de Eva, con música de despecho o con tangos. Todos estos géneros musicales que se cantan y acompañan la vida en las veredas, pueblos y ciudades de Antioquia. ¿Qué compondría Juanes a partir de este cuadro?

- Pero la tradición de la trova de los ‘mentirosos’, cuenteros y ‘troveros’ paisas, se presta para que observando atentamente el cuadro, los estudiantes improvisen versos o trovas que van enlazando para formar estrofas cuyas sílabas terminales en el segundo y cuarto verso suenen igual. Las trovas son jocosas, de humor repentino, irónicas (el sofá en el potrero), alegres, divertidas y con exageraciones. Según el lugar de origen de sus familias, los niños también pueden componer rajaleñas, cantas de guabina, torbellinos, piquerías o hacer el contrapunteo.

- La audición estudiada del Quinto cuarteto de cámara, del sobresaliente y prolífero compositor antioqueño Blas Emilio Atehortúa (Santa Helena, 1933) le enseñaría a los estudiantes como este maestro retoma el bambuco en su trabajo, con sus ritmos coloridos, armonías y juegos de contrapunto.

II. DIÁLOGOS CON EL ARTE

Se proponen a continuación dos ejercicios que se plantean, o bien como actividad aislada que puede durar una o varias sesiones, o como didáctica que hace parte de un proyecto de aula5 .

A. Ejemplo 1. Improvisación y creación de una historia en ritmo de rap

Ejercicio para desarrollar con estudiantes de básica primaria.

1. TEMAS DE EXPLORACIÓN A PARTIR DE LA MUESTRA:

Este ejercicio delimitaun tema y unos logros esperados teniendo como marco de referencia los lineamientos curriculares que dispone el Ministerio de Educación.

- Experiencia intrapersonal: confianza en las propias expresiones, el canto como continuación del habla.

- Interacción con la naturaleza: el ritmo orgánico, la expresión y pulso corporales.

- Relación con los otros: composición grupal rítmico-melódica.

- Interacción con la producción artística y cultural: ritmos populares.

Rap como poesía, melodía y ritmo. Experimentación de material sonoro. El rap y otras expresiones musicales populares en este país.

El rap nació en Jamaica, a finales de los sesenta. Se asimiló luego en Nueva York al movimiento urbano hip hop, empezó como historias recitadas que se improvisaban, luego se fue transformando en rimas más complejas con influencia de los Djs, de los cantantes de blues, hasta llegar al ‘rapeado’ de hoy día con ritmo de Reggae caribeño, siempre con una fuerte crítica social de donde proviene su nombre. El rap lo interpretan simultáneamente dos o más voces alternas con contenido autobiográfico, muy rítmicamente, con asonancias, rima, pantomima y acompañamiento de pistas sonoras. Los instrumentos más comunes para interpretar el rap son: djing, caja de ritmos, sampler, sintetizador, beatboxing6 .

Se podría decir que el rap es un recitativo con un ritmo muy marcado y por lo general en 4/4 con letras muy cotidianas. Se alternan la palabra y la recrean con ruidos o motivos repetitivos. Es un medio de expresión muy arraigado en la cultura colombiana dentro de la población juvenil. Ellos hablan en sus letras de injusticias, dolores y amores.

2. LOGROS ESPERADOS EN LOS ESTUDIANTES

- Se aproximan a las obras de arte de manera lúdica y familiar, sin temor.
- Cada estudiante tendrá una visión diferente de cada obra y de detalles de las mismas.
- Construyen relatos metafóricos relacionando situaciones vividas con los temas, movimientos, ritmos, tonos, colores, texturas de los cuadros y esculturas.
- Hacen un trabajo rítmico corporal y vocal, en compás simple y compuesto, conjugando poesía e historia.
- Recitan una canción conocida en tiempo de 4/4, para entrar en la creación.
- Crean una historia inspirada en la fusión de los cuadros en ritmo de rap.
- Comparten sus creaciones, pueden explicar la técnica musical que utilizaron, aceptan la crítica y escuchan con gusto los trabajos de sus compañeros, siendo conciente del valor del silencio.
- Investiga expresiones musicales populares, en particular el rap, y comprenden que el arte está enmarcado en una época y que las manifestaciones artísticas se alimentan unas a otras.

3. RECURSOS NECESARIOS

- Voces, su timbre: agudas y graves.
- Flautas dulces soprano.
- Guitarras, instrumentos de percusión (incluido el cuerpo).
- Sonidos grabados, discos de las obras propuestas.

4. PROCESO PEDAGÓGICO

• Contemplación:

Maestro y alumnos observan cuidadosamente cada una de las obras y completan por escrito la siguiente guía durante la visita:

1. ¿Qué tema le gustó más, qué sentimientos le despierta la obra con este tema?
2. La gitana del cuadro de Corot, me recuerda…
3. Al ver el cuadro de Picasso me veo a mí mismo (o a mí misma) cuando estoy…
4. Si el disco rojo alcanzara a la alondra en el cuadro de Miró ¿qué pasaría? …
5. Al paisaje de Renoir se le siente el aire como si…
6. El cuadro de Rauschenberg (mirarlo con cierta distancia) me lleva a pensar que en la ciudad donde vivo pasan estas cosas: …
7. La más bella es la más bella porque…
8. Cuando miro la Familia de Botero se me viene a la cabeza que a mí me podría pasar que…

- En un segundo momento, en la clase los estudiantes se reúnen en grupos de tres, se leen mutuamente sus apuntes, y construyen una sola historia organizando únicamente las ideas que cada uno aportó cambiando las frases lo menos posible. Dejan por fuera lo que dice la guía sobre las obras así, por ejemplo, si contesto la 1ª pregunta no se retoma: “¿Qué tema le gustó más, qué sentimientos le despierta la obra con este tema?”... Quedaría únicamente la respuesta que podría ser: “el prado y el árbol, me dan paz”. Con estas respuestas se arma la historia.

- Una vez han escrito toda una larga historia proceden a darle forma poética, con ritmo de rap, según lo indique la maestra o el maestro (Nótese que ya en este momento es lo más posible que la temática y las características de los cuadros no tengan nada que ver con la historia que resulta). Más bien debe resultar una narración que hace alusión a experiencias y/o fantasías personales como sucede con el rap.

• Recreación musical de la experiencia

En otra sesión. El maestro invita a cada trío de estudiantes a hacer ejercicios de respiración y relajación global dinámica, a prepararse para ensayar cómo comunicar su historia, con ritmo, movimiento corporal y, en lo posible, con acompañamiento sonoro.

• Socialización y complementación desde los conocimientos específicos

- Una vez preparados los grupos presentan su rap a los demás.

- Mientras van pasando las presentaciones, el maestro toma nota de observaciones que les hará cuando hayan terminado. Y si cree necesario hace comentarios entre una y otra obra. Estos comentarios se constituyen en información técnica muy puntual, complementaria a la presentación de los estudiantes, como por ejemplo: discriminación de tonos, afinación, duraciones, ritmos, hacer notar los timbres distintos de cada uno.

Si se usaron instrumentos u otros apoyos sonoros, igualmente el maestro complementa con observaciones relativas al manejo de éstos, sus cualidades tímbricas, materiales,…

• Reflexión del trabajo logrado desde una perspectiva histórica y cultural

En otra sesión que cierra este proceso, el profesor vuelve sobre la muestra artística para repasar el de Rauschenberg, que ilustra la época en que comienza a consolidarse el rap como género musical y amplía este contexto histórico, hasta remontarse al jazz y el blues, y el reggae que hoy se toca en el caribe colombiano, acompañado con grabaciones musicales correspondientes. Así, con la ayuda del profesor, los estudiantes reflexionan sobre los logros obtenidos con su trabajo desde una perspectiva semiótica e histórica que le da contexto cultural a todo el proceso realizado hasta aquí.

• Evaluación y proyección

La visita-taller se evalúa solicitándoles a los estudiantes que recojan paso a paso lo realizado: cómo se sintieron, qué aprendieron, qué se les dificultó, qué sugieren para cada uno de los momentos que se vivieron en el taller. A esta evaluación es mejor dedicarle toda una clase posterior a la visita.

• Proyección

Se recomienda también que a partir de la reflexión crítica del proceso realizado, los estudiantes desarrollen la incipiente idea artística que plantearon alrededor de la muestra artística, ahora con más elementos conceptuales, hasta darla por terminada.

A partir de esta actividad, el maestro podría continuar con un nuevo proyecto un poco más complejo, por ejemplo empezando a comparar la música popular urbana de hoy o música ‘pop’ y la que es aún popular, pero que se clasifica más bien como tradicional o folclórica.

B. Ejemplo 2. Trabajo armónico. Relación entre los elementos pictóricos y musicales

Ejercicio para desarrollar con estudiantes de 10° a 11°.

1. TEMAS DE EXPLORACIÓN ALREDEDOR DE LA MUESTRA:

Este ejercicio delimita unos temas y unos logros esperados, teniendo como marco de referencia los lineamientos curriculares que dispone el Ministerio de Educación.

- Experiencia intrapersonal: gusto estético visual y musical.
- Interacción con la naturaleza: asociación de la percepción visual con notas musicales.
- Relación con los otros: composición melódica grupal.
- Interacción con la producción artística y cultural: investigación histórica y apreciación musical.

2. LOGROS ESPERADOS EN LOS ESTUDIANTES:

- Disfrutan la exposición y hacen asociaciones sonoras y de las notas musicales con cada una de las obras.

- Hacen armonías con voces, o flautas dulces soprano, o guitarras, o teclados, basándose fundamentalmente en tónica (DO – MI – SOL) dominante (SOL–SI–RE) y subdominante (FA– LA – DO).

- Expresan lo que sienten al oír tres notas simultáneamente.

- Producen pequeñas composiciones en torno a la exposición, mostrándose seguros y expresivos.

- Plantean juegos de notación musical tradicional y gráfica contemporánea.

- Socializan sus hallazgos, prestan atención a los de los otros y sostienen sus puntos de vista, demostrando manejo adecuado de elementos musicales básicos.

- Escuchan y reconocen melodías, ritmos, armonías y timbres en piezas musicales de composiciones contemporáneas a las obras expuestas.

- Investigan sobre las obras musicales contemporáneas a las obras.

3. RECURSOS NECESARIOS

- La voz, instrumentos musicales.

- Papel y lápiz. - Lápiz y papel.

4. PROCESO PEDAGÓGICO

Juego de motivación inicial. Se visita la muestra, el maestro le asigna una nota a cada cuadro. Se sugiere sobre la escala de DO poner las obras en orden cronológico. Empieza y termina con Botero, por ser el gestor y por tener dos cuadros en la muestra. Este es un juego de asociaciones. Así por ejemplo:

Do Fernando Botero
Re Jean Baptiste-Camille Corot
Mi Auguste Renoir
Fa Pablo Picasso
Sol Max Ernst
La Joan Miró
Si Robert Rauschenberg
Do Fernando Botero

Ejercicio creativo: Observación, evocación, expresión. El maestro le recomienda a cada uno de sus alumnos visitar la muestra por su cuenta, observar en forma cuidadosa y las obras, escoger la que más le guste, expresar con colores en abstracto, el sentimiento o idea que éste le produce, o si así lo siente identifica una obra o una parte de ésta con una sencilla melodía musical que escribe sobre el mismo papel.

• Recreación musical de la experiencia

Continúa ejercicio anterior: En el salón, sobre el tablero el maestro traza un pentagrama y sobre éste va pegando con cinta cada dibujo y su nota en el lugar correspondiente. Al comienzo no importa el orden en que van apareciendo, pero una vez están todas puestas, las organiza donde corresponden de la manera que le parezca más armónica. Participan en este ejercicio los estudiantes que tienen bases de música, ayudan a imaginar una composición simple posible.

- Se organizan por grupos de notas escogidas y con la voz, flautas o guitarras interpretan “la partitura”.

- Después sin trazo de pentagrama se ponen los dibujos sobre el tablero por grupos de notas, en un orden libre. Se organizan los estudiantes en grupos de cuatro o cinco y, sabiendo ya a que tono pertenece cada dibujo, los miembros de cada grupo acuerdan entre sí cómo van a leer ‘esa música’.

- El profesor podría organizar una composición un poco más compleja si, haciendo las veces de compositor y director, los invita a combinar sus composiciones de manera que puedan armar una nueva pieza entre todos. Se podría grabar este arreglo musical.

- Cada grupo debe recordar bien la frase musical que armó y tocó o cantó.

Otra variante de este ejercicio. Se forman grupos de tres estudiantes. Tocarán simultáneamente, puesto que hablamos de armonía, cantarán las notas o con flautas dulces, guitarras o teclados. Hacemos secuencias de tónica, dominante, subdominante, según se organice. Hacen las notas con flautas dulces soprano, guitarras, teclados o voces, basándose fundamentalmente en tónica (DO – MI – SOL) (dominante) (SOL – SI – RE) y subdominante (FA – LA – DO).

- Se pueden hacer también frases musicales.

• Socialización y complementación desde los conocimientos específicos

En otra sesión, el maestro o maestra propone una audición musical de uno o varios fragmentos de la obra de uno de los compositores mencionados (tal vez la que se asocie a la obra que más llamó la atención a los estudiantes), se les pide a los alumnos que la escuchen atentamente en un primer momento para disfrutarla. Luego, mientras el profesor va haciéndoles notar alturas, intensidades, duración y timbres de sonidos de la melodía, la comenta y hace comparaciones. Subraya elementos del lenguaje musical que se tocaron, comenta las diferentes formas de notación musical en la actualidad.

• Reflexión del trabajo logrado desde una perspectiva histórica y cultural

A continuación se les pide a cada uno de los estudiantes hacer una búsqueda histórica sobre la vida, obra (época, estilo, innovaciones estructurales, instrumentales y de notación más importantes que hicieran estos maestros) y contexto socio-cultural de un compositor contemporáneo a los artistas visitados. Se destinará tiempo para que cada uno o en panel por grupos, expongan sus hallazgos.

• Evaluación y proyección

En la evaluación se busca saber qué quedó en el alumno, qué lo impacto. No consiste en ponerle una nota. ¿Logramos motivarlos?, ¿aprendieron algo nuevo?, ¿logramos volver la pintura o la música una pasión en el niño y el joven? - Podemos constatar la sensación y los sentimientos motivados con la experiencia realizada invitando a los alumnos, por ejemplo, a recordar las obras para asociarlas ahora a la música folclórica o a la popular del medio en el que ellos viven, preguntándoles:

¿Con qué melodía que me gusta y escucho con frecuencia relaciono una o varias de las obras que contemplé, por qué?

- Se probaría su fuerza intuitiva invitándolos a preguntarse a qué clase de pintura se dedicarían si fueran pintores. Y si estudiaran música, ¿en cuál género se verían componiendo?

- Una manera de saber si se motivó su fantasía y si se incrementó su aprendizaje musical podía ser dejándoles la tarea a cada uno de hacer una canción sencilla a partir de una de las obras.

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1. MENUHIN, Jehudi y DAVIS W., Curtis. La música del hombre. Fondo Educativo Interamericano. 1981.

2. Un magnífico apoyo para hacer audiciones musicales es el texto Cómo escuchar la música del compositor norteamericano Aaron Copland. Buenos Aires. Fondo de Cultura Económica, 1955.

3. La Biblioteca Luis Ángel Arango cuenta con una amplia discoteca y colección de instrumentos musicales que pertenecieron al padre José Ignacio Perdomo Escobar.

4. Contradanza para piano. La partitura se encuentra en la Sala de Música de la Biblioteca Luis Ángel Arango, su número de ubicación es 781.62 19ed

5. Lineamientos curriculares nacionales para la educación musical.

6. En la Wikipedia

III. BIBLIOGRAFÍA SUGERIDA:

• MENUHIN, Jehudi y DAVIS W, Curtis. La música del hombre. Bogotá, Fondo Educativo Interamericano. 1981. Número topográfico: 780. M35m.

• MONTOYA, Pablo. Música de pájaros. Medellín, Editorial Universidad de Antioquia.2005. Número topográfico: Co864.6 M65m.

• PASCUAL MEJÍA, Pilar. Didáctica de la música para primaria. Prentice Hall. España.2002.

• PERDOMO José Ignacio. Historia de la música en Colombia. Colombia, Plaza & Janes.1980.

• RANDEL Michael. Diccionario Harvard de música. México. Editorial Diana.1984.

• WILLEMS, Edgar. Las bases psicológicas de la educación musical. Argentina, Editorial Universitaria de Buenos Aires, 2002

Registro Sonoro:

• PEÑA, Israel. Mauricio Ravel, su vida y su obra, Colombia, Ediciones especiales circulo musical. 1970. Número topográfico: LP 6902.

• CASTELLANOS, Luis Alfonso, Rajaleña opita vol.4. Neiva: Castellanos LTDA, 2003, Número topográfico: CD 11068.

Enlaces en Internet :

• Biblioteca Luis Ángel Arango

• Wikipedia


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