Marzo 12 a junio 2 de 2008
Museo de Arte del Banco de la República, Nivel 03
Calle 11 No. 4-21
Entrada gratuita
Malcolm Legrice
Berlin Horse (Caballo de Berlín)
1970
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Los últimos sesenta y primeros setenta del pasado siglo significan en lo cultural y, más en concreto, en lo artístico, un cuestionamiento radical del optimismo progresista que pretendía explicar el mundo como un sistema tendente al equilibrio, predecible en su evolución y susceptible de ser manipulado racionalmente. Una inflexión que hace que la interdependencia, la dinámica caótica, el bloqueo del acceso a la certeza y la indeterminación pasen a ser referencias insoslayables del conocimiento y de la existencia misma.
Sin embargo, desde otra perspectiva, este cambio otorga un papel a la interpretación y a la capacidad visionaria de los individuos que había sido disminuido o hasta ignorado durante décadas, en los que las supuestas verdades objetivas se habían considerado alcanzables. A su vez, esto tenía una importante dimensión política debido a la capilaridad del entramado entre el saber y el poder que desde la Ilustración, la soberanía de la razón había ido tejiendo. En términos estrictamente artísticos, podríamos resumir el espíritu de aquellos tiempos, diciendo que se pasa de la “configuración” de objetos autónomos –sólo tributarios de su verdad intrínseca– a privilegiar la “interacción”, cualquiera que fuese la naturaleza de sus agentes, lo cual implica concentrarse más en los fenómenos que afectan a seres u objetos, que en éstos en sí mismos. Esto lleva inevitablemente a subrayar la corporeidad, las actitudes y los comportamientos; a abrirse al espacio y absorberlo como elemento configurativo; a mezclar la Naturaleza con el artificio, incluyendo en este último a la cultura y su historia; a rechazar el fraccionamiento del conocimiento en géneros o disciplinas; y, finalmente, a detenerse en los aspectos procesuales de la formalización de la realidad, además de considerar la percepción misma como temática suficiente.
Pues bien, el objetivo de Tras los hechos. Interfunktionen 1968-1975 no es otro que subrayar la gran relevancia de esta “sacudida” cultural y artística irreversible, no sólo por el impacto que tuvo en su día, sino por su plena vigencia hoy, ya que ese es el trasfondo de los hechos de aquellos días. Desde esta óptica, las más de cien obras que se han reunido en la muestra no son alegorías, metáforas o símbolos de lo ocurrido entonces, sino hechos mismos producto de un “malestar de la cultura” cuyo contexto justificante, tal como se predijo, ha ido a peor en sus aspectos básicos.
La revista Interfunktionen, editada en Colonia entre 1968 y 1975, proporciona un marco de referencia óptimo para desarrollar la estrategia expositiva ya que la revista misma nace del descontento y la protesta de los creadores hacia la Documenta de Kassel de 1968 y, a la vez, pone de manifiesto que el nexo de unión entre los artistas se establece más en el territorio de las inquietudes y actitudes, que en el ámbito de la formalización o de los presupuestos teóricos; revelando, además, el renacimiento de Europa como fermento creativo de primera fila.
La característica no documental de la exposición, que se concibe como evento singular y estéticamente independiente del soporte de difusión que la publicación constituyó en su momento, explica que en general, las obras reunidas no coincidan con las ilustradas o descritas en Interfunktionen, aunque sí fueron configuradas entre 1968 y 1975 y son mostradas en idénticos soportes para los que fueron creadas. Así, además del espacio expositivo del Museo de Arte del Banco de la República, donde están presentes los cuarenta y cinco artistas, la muestra utilizará el espacio urbano (caso de John Baldessari), o la televisión (donde se podrán contemplar obras de Keith Arnatt y Jan Dibbets), en función del medio original para el que fueron creadas.
Como cabía esperar de un fermento creativo definido por la incertidumbre y la inestabilidad, y también por una necesidad de retorno de la forma y del sentido tras un largo período de alienante objetividad, la ironía, no como negación sino como una huida hacia adelante propiciada por el regeneracionismo, impregna profundamente a la exposición en su conjunto. En algunos casos, hay una clara voluntad de formalización ”a partir de cero”. En otros, domina el afán por recomponer lo previamente descompuesto. Ambas cosas, formalización y recomposición se dan con radicalidad en la ambigua frontera entre lo privado y lo público, que suele establecer dónde acaba lo "artísticamente correcto” en la cultura occidental y fundamenta el juego perverso de la doble moral. Sin embargo, esa creatividad en el margen se sustenta en el requisito de autenticidad que todos los artistas participantes se autoexigen, ya que no persiguen en ningún caso la fantasía sino la creación de formalizaciones nuevas de la realidad, que desde luego no excluye la cualidad visionaria de su concepción.
La huida hacia adelante se detecta también a resultas de la expansión dimensional que afecta a las creaciones, a fin de incluir un espacio precisamente positivado por su vaciedad y porque en él se despliega el “tiempo” de la interactividad y sus consecuencias formales concretadas en acciones u objetos, pues no debe olvidarse que se deja atrás una época en la que la “ajenidad” de los objetos era un convencimiento que prácticamente bloqueaba la posibilidad de devenir con ellos, fuese en buena armonía o en conflicto. Esto significa reivindicar un paisajismo (de interiores y exteriores) que había sido casi olvidado como estructura de expresión y que además se ampliaba para incluir a creadores y observadores como actores esenciales, lo cual explica por qué la percepción se sublima como motivo. Por otra parte, es importante tener en cuenta el papel que juega en estos procesos de redefinición de lo real sin ningún tipo de autocensura, la valoración técnico-poética de nuevos medios de expresión o de otros no tan nuevos pero no explorados exhaustivamente por la creación visual y plástica, porque significa entender y utilizar lo técnico como “desvelamiento” o “elucidación” y no como mera pericia o habilidad.
Contrariamente a lo que se ha dicho hasta la saciedad, esta investigación de medios alternativos no supone abominar de los géneros artísticos tradicionales ni tampoco de superarlos, sino de hacer más flexible su definición, habida cuenta de que, por un lado, pintura y escultura se despliegan en el espacio y serán frecuentemente absorbidas por la acción corpórea; y, por otro, el cine, la televisión, el vídeo, la manipulación fotográfica o la música proporcionaban una virtualidad iconográfico-sonora, cuyas infinitas posibilidades creativas apenas habían sido exploradas. De hecho, cada una de las obras que conforman la exposición es un desarrollo específico de la indisociable tríada “interacción-tiempo-forma” y por lo tanto, una manifestación concreta de la voluntad de identificación del arte con la vida. Probablemente no haya nada más político y más humano que esta ambición.
Gloria Moure
John Baldessari
Ghetto Boundary Project (Proyecto de límite de gueto)
abril 1969
Más información sobre la exposición.
Behind the facts interfunktionen
19.2. - 2.5.2004 - Fundación Joan Miró (Artfacts)
El arte desatado. J.J. Navarro. (El mundo)
Reseña de la exposición en la Fundación Joan Miró
Visitas guiadas:
Visitas gratuitas para el público general:
Miércoles y viernes
11:00 a.m. y 4:00 p.m.
Domingos
10:00 a.m., 12:00 m,
2:00 p.m. y 4:00 p.m.
* No es necesario reservar con anticipación.
•Visitas gratuitas para grupos escolares
Reservas mínimo con quince (15) días de anticipación
únicamente en el teléfono 343 12 15.
Cupo máximo de estudiantes por visita: 80 estudiantes
Taller niños:
Taller para niños de 8 a 12 años
Tras los hechos
Hace treinta años algunos artistas emprendieron un nuevo camino: se apropiaron de objetos y utilizaron nuevas herramientas, incluso su propio cuerpo, para transformar las formas, los colores y los volúmenes y por supuesto muchas ideas y conceptos. Te invitamos a participar en este taller y a conocer las obras de este grupo de artistas que sacudieron la historia del arte.
Sábado 26 de abril,
10:45 a.m. a 1:00 p.m.
Museo de Arte del Banco de la República, Salones de Talleres
Calle 11 # 4-21
Inscripciones gratuitas: 343 12 15 (a partir del 21 de abril)
Conferencia:
Jueves 13 de marzo de 2008
Lugar: BLAA,Centro de eventos
Calle 11 No. 4-14
Hora: 11:00 a.m.
Entrada gratuita
Con la curadora Gloria Moure y los artistas:
Dennis Oppenheim (página personal / wikipedia)
Dan Graham (wikipedia)
Malcolm LeGrice.
Wilhelm Hein
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